Can you tell us who you are? What do you do?

I’m a designer, but not one of those who are busy turning beautiful those useful things, I love to design “useless” things but I want to make them so beautiful as to render them almost necessary. I am Italian, but artistically speaking I’ve always looked far away, starting from Japan first of all.
But today there’s an artistic globalization, carried forward by my generation of “digital” artists, which allows me to use a visual language with contaminations without bothering too much if I am working on an American project, European or Asian.
I’m an illustrator, maybe one day I will tell stories with sequential images, when I find a way which works best for me.
As designer I love to take care of every aspect, from the images to the graphics of a book, from the toy to the packaging.

How did you get the Mekaneko idea?

The concept was born in a BD episode of Sky-doll Spaceship Collection drawn by me, I created a typical kawaii mascot for the main character. Afterwards, when Barbara Canepa created her art-pop label Venusdea, we thought it was interesting to take back that concept and give him a life of his own. So, I imagined it would be a perfect design-toy. Mekaneko is not a toy with an end it itself, it’s more similar to a Japanese character from an anime, in the booklet coming with him you can see various illustrations which represent him as the “ultimate cool gadget” for young guys or rock bands, Mekaneko is imaginary but still very “plausible” and concrete.

Can you explain the working process for a toy like that? (from the rough to the series bulk version)

I have some experience in the production, from the design to the object, and so also in this case I wanted to take care and follow the details in the design of my toy.
Mekaneko’s outline is so minimal, and so very well defined, that I made very detailed drawings. I didn’t need a sculptor who could interpret an idea, but a perfect executor.
In addition to the classical “front, back, side, top” sketches, I also made some ones to explain the shapes through lateral sectioning of the pieces, the sculptor (a Chinese guy) did his job well, but there’s always some correction to be done, when I get the first “clay prototype” the best thing is to draw the changes directly on the pictures.
I can easily say that there is no problem in working on these kind of projects with intercontinental distances.
When I received then the resin prototype it was almost perfect, and most of all it was really moving to touch at last something that was just an idea or a drawing not long before.
The realization of the packaging was a bit more complex, I wanted something really cool, which showed the toy through the transparency, and that was worthily part of the concept. I know people who bought Mekaneko and keeps it in a showcase at home still in its box…
I personally designed the box, providing to the factory directly the file for the printing, but only when I received the prototype I realized that my theotical idea really worked!

Another pretty tricky part was to design the stickers, it wasn’t easy because I couldn’t verify everything straight away, I would’ve slowed down and made more complicated the production by asking constant verifications and shipments on the Hong-Kong – French – Italian axis. So I made do by printing the stickers on sticky paper and testing them at the best of my skills.

How do you proceed for the customization of your Mekaneko? (I think of the one which is half a robot)

Surely for me it’s necessary to work on colours but also on the shape.
I don’t see Mekaneko as a simple “canvas toy” like Qee, Munny etc… For me it’s the small figure of a robot cat which “exists”; moves, does something, has a reason to exist! In the case of my custom, I referred to the “anatomical” scheme I drew in the booklet, imagining a prototype of the robot-cat, in which probably trials are being made…
I worked a month to finish this custom, the robotic half is in part modelled (milliput) and in part built with plasticard pieces and option-parts for Japanese modeling.
The option parts are really useful pieces of every kind, from verniers to rivets, joints and articulations in pvc, tubes… they’re sold in Japan to make scratch-build or to modify models, Gundam for the most part.
But the basic rule to do pieces like this is: every small object or plastic piece which could seem as useless rubbish to anyone else, can be useful and precious to my eyes.
For the colouring I worked as a real otaku-plamodeller, airbrush, drybrush, oil washing, and a final touch of “custom decals and stickers” designed ad hoc.

Anything to add? Dates or places you wish to announce?

First of all, the important meeting at the Japan Expo 2010 in Paris (from 1 to 4 July) me and many Mekanekos will be sitting at the Artoyz stand, with customs, news, and suprises… I wish I will meet many people!

Linked to this event there’s the creative contest hosted on the Café Salé webpage at this link :
http://forum.cfsl.net/viewtopic.php?f=41&t=61948

I invite you to follow my personal blog in any case :
http://www.kamenstudio.com/

In addition I want to point out the page in which you can see beautiful Mekaneko customs for the expo organized by the Artoyz gallery some months ago:
http://www.kamenstudio.com/wordpress/?p=454

and the blog of the Venusdea label :
http://venusdea.blogspot.com/

——————————————-
Thank you Matteo !

Voici ci dessous l’interview de SKWAK publiée dans le magazine Advanced Creation.

Figure de la création Française incontournable depuis plusieurs années et solicité un peu partout dans le monde, Skwak s’est prêté au jeu des questions réponses avec simplicité, sans artifice et en allant à l’essentiel. Découvrez l’univers souvent déjanté de ce talentueux créateur prolifique.

THOMAS GAYET > Parle nous un peu de toi et de ton parcours, universitaire ou autodidacte ?
SKWAK > Skwak, j’habite Lille et je suis illustrateur. J’ai un parcours universitaire ( DESS Art et Com) mais je me considère plus comme autodidacte en ce qui concerne l’illustration.

TG > Pour quelles raisons as tu décidé de te lancer dans la création et à quel moment ?
SKWAK > Je pense que je n’y ai jamais vraiment réfléchi, le dessin a toujours était naturel pour moi. C’est dans ce domaine que je m’épanouis le mieux, que j’arrive le mieux à m’exprimer. Je travaille comme indépendant depuis 5 ans maintenant (avant je bossais en agence).

TG > Lorsque tu commences une nouvelle création, quelle est l’approche que tu privilégies ?
SKWAK > Cela dépend si c’est une création perso où une commande d’un client. Pour une perso , j’écris beaucoup pour développer l’histoire que je veux raconter, ça peut me prendre 1 ou 2 semaines avant de me lancer véritablement dans la création pur , le temps d’avoir une ligne directrice et presque tous les personnages principaux de l’histoire. En ce qui concerne les commande clients, ça dépend du degrés de liberté qu’on me laisse. c’est un processus assez classique comme tous les illustrateurs (brief, proposition, correction, validation).

TG > Tu bosses dans une agence ? En free ? Dans un collectif ? Pourquoi ?
SKWAK > En indépendant (sans agent). Pour le moment c’est une façon de travailler qui me convient totalement. Je bosse très régulièrement aussi comme illustrateur pour une agence aux États Unis (Jess3) mais pas en tant que skwak (de l’illustration plus classique)..

TG > Quels sont tes projets pour les mois qui arrivent ?
SKWAK > Pas mal de trucs :
- J’ai 4 teeshirts chez Cookies ‘n’ cream qui devraient sortir dans très peu de temps et 1 teeshirt avec Owlmovement.
- Je prépare une expo collective chez Addict gallery.
- Je vais sortir 2 nouvelles sérigraphies.
- Une montre chez Vannen.
- Une nouvelle illustration pour livre sur les jeux vidéo.
- Une série de Mini maniac (qui prend un peu de retard..)
- Un Dunny 8 inch chez kidrobot et depuis quelques jours j’ai collaborer avec Tribbes pour sortir une housse pour iPhone.
- Et bien sûr d’autres projets secrets. Skwak et Jess3……

TG > Si tu n’avais pas travaillé dans le milieu de la création, qu’est ceque tu aurais fait ?
SKWAK > La psychiatrie sans doute.

TG > A quoi ressemble une journée de «SKWAK» ?
SKWAK > Classiquement je passe ma matinée a bosser pour l’agence aux État unis ou répondre à tous mes emails (les interview en retard ) et l’après midi je la consacre plutôt à mes créations persos. Tout ça en fonction de mon inspiration. Ensuite quand tout ça est fini ou quand j’en ai vraiment assez je vis ma vie de famille avec ma femme et mon fils.

TG > Quels artistes t’inspirent le plus ? ou à défaut ou puisses tu ton inspiration pour réaliser de nouvelle créations ?
SKWAK > Je ne m’inspire pas vraiment d’artiste, parfois j’ouvre quelques livres (Jérôme Bosch ou Keith Haring) pas vraiment pour m’inspirer mais pour me relancer quand j’ai le syndrome de la page blanche. Ces deux artistes me donne vraiment envie de bosser. Mon inspiration je la puise un peu partout. Je ne la cherche pas forcement, ça me tombe dessus, un article dans un journal,dans un magazine, une photo sur internet ou une vidéo . Je note l’idée et quelques semaines après je vois si elle me convient toujours, je me l’approprie je la transforme et avec toutes ces idées je crée des histoire dans le “maniac world” en essayant d’avoir un discours cohérent dans le fond et sur la forme !

TG > Quel regard portes tu sur ton travail et sur la création au sens large ?
SKWAK > Si j’avais assez de recul pour avoir un regard clair sur mon travail je pense que j’aurai passé une étape crucial. Je suis toujours entrain de chercher de nouvelles idées sans trahir mon style. D’évoluer. En ce qui concerne la création je suis comme toi je regarde autour de moi ce que les autres font. Je suis un spectateur, pas vraiment un critique.

TG > Quels sont les morceaux de musique que tu écoutes en ce moment ?
SKWAK > En ce moment même j’écoute Wave Machines et Atlas Sound.

TG > Quels «conseils» donnerais tu à des artistes qui démarrent ou qui voudrait suivre cette voie ?
SKWAK > Je ne suis pas vraiment légitime pour donner des conseils. La seul chose que je pourrais dire c’est: “Bon courage !”

Éric Collet est un graphiste qui a déjà souvent fait parler de lui sur Artskills.
Instinctif et pertinent dans le propos, il produit depuis déjà 6 ans de belles images et génère des communications visuelles qui se démarquent des modes et des tendances.
Il soigne la typographie et aborde le design graphique comme il se doit, une solution personnelle à une problématique donnée.

À l’occasion d’une mise à jour de son site et beaucoup de nouveaux travaux à découvrir, Artskills vous propose une interview du bonhomme. Nous avons abordé avec Éric son parcours, sa vision du travail de graphiste, ses méthodes et ses projets.
_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _

Salut Éric, peux tu te présenter brièvement ?
Salut ! Je suis designer graphique indépendant à côté de Rennes, en Bretagne. Ma spécialité est la conception de communications culturelles. À côté de mon activité de créateur visuel, je suis également musicien.

Quelle formation as-tu ? Comment as tu mis un pied dans l’illustration, la typographie et le design graphique ?
J’ai d’abord passé un bac. STI arts appliqués, à Tréguier (22). C’est là que j’ai commencé à découvrir ce qu’étaient l’art et le design. Ensuite, je suis parti en BTS communication visuelle à Marseille. Vu que j’étais déjà allergique aux cours à 17 ans, l’idée de suivre des études supérieures professionnalisantes en seulement 2 ans me convenait bien. Et même si j’étais très critique vis-à-vis de l’enseignement, je dois avouer que c’est en BTS que j’ai développé ma passion pour le graphisme, et plus particulièrement pour la typographie. Je me souviens notamment de ma découverte des travaux de Neville Brody et de David Carson lors d’une sortie au mois du graphisme d’Echirolles… Examens en poche, j’ai ensuite intégré LMX, une maison d’édition marseillaise développant des projets d’art contemporain traitant de problématiques liées au monde urbain. J’y étais designer responsable de projets éditoriaux et des nouvelles technologies. C’était un poste très intéressant, enrichissant. J’en profite d’ailleurs pour saluer Laurent Malone, artiste photographe et fondateur de LMX. J’y suis resté un an, après quoi, fort de cette expérience, je suis parti à Rennes pour me lancer en freelance.

Tu travailles en tant que free-lance depuis maintenant 6 ans, comment fais-tu pour trouver du travail ? Peux-tu nous faire un bref retour sur ces années ?
Tout est allé très vite. Mon tout premier travail en indépendant a été un succès. Et tout a découlé de cela… C’est l’effet boule de neige !
J’avais conçu et réalisé l’identité visuelle et le site web de l’Epicerie, un petit lieu culturel pluridisciplinaire marseillais. Assisté par un programmeur, le site que j’avais développé était entièrement en flash dynamique. Il s’agissait d’un bandeau/logo de plusieurs mètres de long autour duquel l’internaute se baladait pour passer d’une rubrique à une autre. À ma grande surprise, le portail Créabook communiqua sur ce site au sein de sa newsletter. Ce qui me rapporta de nombreux contacts et un client avec lequel je travaille toujours. Mais le plus étonnant fût lorsque la directrice de la communication du Merlan me téléphona. L’équipe à la direction de la scène nationale marseillaise avait remarqué mon travail pour l’Epicerie. C’est ainsi que le Merlan me commanda sa nouvelle identité visuelle et me confia la conception graphique de tous ses supports de communication. Cette identité rose, bien qu’ayant été remaniée par d’autres designers depuis, couvre d’ailleurs toujours les murs de la cité phocéenne aujourd’hui.
Un commanditaire en appelant un autre, mon portfolio s’est donc très rapidement rempli de références qui m’ont aidé à me faire connaître dans divers réseaux. J’ai donc eu la grande chance de ne jamais avoir à démarcher activement pour trouver du travail. Mine de rien, une scène nationale, ça aide !

D’où vient ton inspiration ? Pourrais-tu nous décrire ton processus de création « type », si tu en as un ?
Je fonctionne énormément par visions. Ce sont des sortes de pré-visualisations de projets finalisés. Je n’arrive d’ailleurs jamais à atteindre la perfection de ces images, qui sont presque de l’ordre du génial au moment où je les imagine. C’est frustrant ! C’est comme si je n’avais qu’un vague souvenir de ce que j’ai moi-même créé…
Généralement, ce n’est pas lorsque je planche sur un projet que j’ai une idée, mais quand je n’y pense plus. La notion de recul est donc très importante dans mon travail. Je n’ai jamais de bonnes idées devant mon écran. Certains avancent par tâtonnements. Moi j’en suis incapable. Mes projets sont toujours finis avant même que je ne commence à les réaliser.
Je tire mon inspiration de tout ce qui m’entoure. De choses souvent insignifiantes pour d’autres. Les revues de graphisme, par exemple, ne m’inspirent pas forcément. J’ai l’impression que la seule façon de faire du design graphique intéressant consiste à ne pas vouloir faire du graphisme. Le simple rapport texte/image m’ennuie… J’aime quand le texte n’en est pas, quand l’image n’en est plus une. C’est pourquoi je m’inspire peu du graphisme, mais plutôt des autres champs d’expérimentation artistique. Comme si j’avais besoin d’éléments rapportés pour nourrir mes créations, ou besoin de créer des passerelles, d’effacer les frontières entre les domaines de création. Du coup, j’ai appris à me poser des cadres très strictes afin de mieux pouvoir partir dans tous les sens, tout en canalisant mon élan créatif. Je pense qu’il faut savoir transgresser les règles et prendre des risques pour sortir du conventionnel.
Si j’avais un processus de création type à décrire, je dirais qu’à partir de 2 ou 3 mots-clés synthétisant les idées les plus fortes d’un cahier des charges, je vais piocher des références dans tous les domaines de création pour ensuite les confronter les unes aux autres, afin de faire sens et de provoquer ma créativité.

Quel est pour toi le travail idéal, le client idéal ?
Le client idéal est pour moi une personne qui me fournit un cahier des charges cohérent et réaliste, qui est en mesure d’être réactive, et qui débloque les moyens (délais + budget) nécessaires au bon déroulement de notre collaboration. Mais toutes ces conditions ne sont que rarement réunies. Heureusement, on peut souvent obtenir beaucoup de choses à force de discussions et en usant d’un peu de pédagogie.
Le travail personnel ne pose pas ces contraintes. Mais le combat avec les clients me manquerait si j’arrêtais de répondre à des commandes !

Quel est le projet dont tu es le plus fier et pourquoi ?
J’apprécie toujours “Happy new war”, parce que je le trouve simple, efficace et intemporel.

Mais tant qu’à parler de fierté, le projet qui a le plus flatté mon ego est la couverture du hors-série 2006 d’Idpure.
Lorsque j’ai reçu l’appel à projet pour le concours de création de couverture du magazine suisse qui avait pour thème quelque chose du genre “points de vue sur le graphisme”, j’ai tout de suite eu envie de témoigner de mon positionnement en tant que créateur. Un-peu comme si j’avais répondu à cette interview en une seule phrase. Cinq minutes plus tard, je numérisais mon slogan “L’art ne sert à rien, regardez plutôt la télé” écrit au marqueur noir sur une feuille blanche, et je l’envoyais à Idpure.
Après avoir examiné plus de 250 projets, dont des illustrations très léchées, c’est mon propos qui a retenu leur attention. Justement parce qu’il s’agissait d’une réelle prise de position. Un-peu gêné par le côté brut de l’écriture au marqueur noir, le magazine m’a même envoyé plusieurs propositions de couleurs afin de rendre mon travail plus “graphique”…
Morale de l’histoire : dans “propositions”, il y a “propos”. Et je fais en sorte de ne pas l’oublier.

C’est très pertinent. Justement, comment abordes-tu alors la relation du designer graphique avec son commanditaire ? Imposes-tu tes idées ou restes-tu souple ? Vas-tu jusque au clash pour imposer une idée ou au contraire fais-tu partie de ceux qui mettent de l’eau dans leur vin ?
Au fur et à mesure, j’ai appris à me protéger en cadrant les relations de travail et en étant pédagogue avec les commanditaires. Pour commencer, je ne propose rien tant que nous n’avons pas validé ensemble le cahier des charges. Ensuite, viennent les premières recherches sous forme de pré-maquettes. À ce moment-là, le client doit en choisir une. Si rien ne lui plaît, il est libre de m’en commander d’autres. Je n’impose rien. Par contre, mes créations ne doivent pas être remodelées à tort et à travers. De légères modifications sont bien sûr possibles, à partir du moment où elles ne nuisent pas au concept ou à l’efficacité de la proposition. Je refuse également de mixer 2 propositions différentes. Trop d’idées tue l’idée ! Aussi, chaque avancée du projet est officiellement validée, pour éviter les retours en arrière imprévus.
Il m’est déjà arrivé d’aller jusqu’au clash. Concrètement, cela arrive lorsque le commanditaire finit par se prendre pour un directeur artistique et en vient, par la même occasion, à me confondre avec un exécutant. Dans ce cas, je lui fais remarquer qu’il s’est trompé de prestataire et que, sauf changement de positionnement de sa part, il vaut mieux en rester là.

Veux-tu bien nous dire un mot sur le PDF que l’on trouve sur ton site, celui à l’attention des graphistes et commanditaires ?
En un mot, il s’agit d’un document informatif édité par l’AFD (Alliance Française des Designers) qui explique en quoi les appels d’offres non rémunérés affectent le marché du graphisme. Me battant pour la revalorisation de la profession de designer graphique en France, j’ai choisi de le diffuser. Je vous invite donc à le télécharger pour le lire.
Mon projet “Low-price works kill designers”, que vous avez présenté sur Artskills, traite également de ce sujet.

Quel est ton outil de création privilégié ?
Mon cerveau !

Le métier de graphiste se déroule dans un monde de plus en plus dématérialisé. Tu travailles seul, quid de la relation humaine ? Quelle est son importance dans ton travail ?
Les relations humaines tiennent une place très importante dans mon travail. J’ai beau travailler seul, je suis sans cesse en train de discuter avec mes collaborateurs. Nous vivons certes dans un monde dématérialisé, mais les avancées technologiques, bien que nous éloignant, permettent également de combler la grande distance qui nous sépare parfois. Après, il y a des pièges dans lesquels ils ne faut pas tomber. Les e-mails et le chat, par exemple, bien qu’améliorant grandement nos conditions de travail, forment une sorte de royaume du quiproquo. C’est pourquoi il me semble nécessaire de faire des points téléphoniques réguliers, pour caler les choses. Par contre, rien ne m’oblige à rencontrer mes collaborateurs pour être efficace. Je n’ai d’ailleurs jamais rencontré certains clients, et nous continuons à travailler ensemble.

As-tu l’angoisse de la page blanche ? Et si oui, comment gères-tu ?
Non. Par contre, j’ai l’angoisse du choix !
“Ça c’est pas mal… Ça ça fonctionne bien aussi… Et celui-là : il est efficace ! … Et celui-là ? Aaaaahhhhh !!! Mais il faut que je n’en envoie que 2 !”
C’est horrible…

Tu viens d’un univers assez rock (tu es breton, c’est presque un pléonasme, remarque ! NLDR). La musique, c’est important pour être designer graphique ?
De nombreux designers graphique sont également musiciens. Ce n’est effectivement pas un hasard. Tout est lié.
Pour faire la différence, les groupes étendent leur projet artistique à d’autres domaines de création que la musique. La musique est - et sera - donc de plus en plus visuelle. C’est ainsi que des univers complets se créent. On tend de plus en plus vers la notion de design global, d’oeuvres pluridisciplinaire. On peut dire aujourd’hui d’une image qu’elle est rock. C’est bien la preuve que la musique ne s’arrête pas au son.
Il est donc évidemment plus simple de travailler avec une scène des musiques actuelles ou un festival lorsque l’on est au quotidien bercé dans cet univers, lorsque l’on a les mêmes références. On peut ainsi facilement jouer avec les codes communs à toute une sphère de personnes, qui ne sont autre que le public que l’on cherche à toucher. Les échanges en sont tout de suite simplifiés, et nous allons droit au but.
D’ailleurs, je n’ai pas cherché à me spécialiser dans le graphisme musical. Cela s’est fait tout seul. J’ai été démasqué !

Tu multiplies les projets divers, dans des domaines très variés : tout d’abord, peux-tu nous dire un mot sur ta collaboration graphique avec Stéphane Bucco (dont nous avons parlé ici) ?
Stéphane et moi nous envoyions des e-mails de temps à autre. La plupart du temps, nous nous faisions des fleurs à chaque fois que nous redécouvrions le portfolio de l’autre. Jusqu’au jour où nous nous sommes tout simplement dis qu’on pourrait essayer de travailler ensemble. Je suis donc allé le voir à Grasse (près de Cannes). On a fait plus ample connaissance, échangé 2-3 idées et décidé du nom “stéphane bucco VS éric collet”. De retour au studio, je nous ai dessiné un petit logo, et c’était parti ! Quelques semaines après, on concevait la communication de MaMA - the international professional event, organisé par le Printemps de Bourges.
Par contre, étant donné que nous sommes très occupés tous les deux, nous n’avons pas réellement eu le temps de développer notre association ni de travailler sur de nombreux projets ensemble.
le portfolio de Stéphane : www.sockho.com

Ensuite, tu lances ton projet musical solo, Mess Zero…
Oui. Je me suis bien éclaté dans les groupes dans lesquels j’ai joué, mais j’avais cette envie de jouer mes propres compos depuis longtemps. Même si j’étais libre de participer à l’élaboration des morceaux dans ces formations, je restais toujours frustré par le principe du consensus. J’avais l’impression de passer à côté de mes propres idées. Du coup, j’ai fais le grand saut ! Ou du moins, je suis en train de le faire.
L’avant-projet de Mess Zero est en ligne sur www.messzero.com . Il s’agit de pré-maquettes que j’ai réalisé afin de poser l’esprit du groupe. L’univers est plutôt apocalyptique. Les répétitions sont en train de commencer. Alors, comme le dit le myspace : wait and see what happens!
Et j’ai hâte de travailler sur les visuels du groupe !

Tu t’attaques au stylisme, avec l’intelligent projet de la Sock-tie.
Je m’y attaque très doucement… Intelligent ? Je ne sais pas…
J’ai surtout décidé - il y a un an, que les idées que je trouvais bonnes ne devaient pas se cantonner à traîner dans un coin de ma tête ou sur un bout de papier. C’est pourquoi j’ai mis du coeur à l’ouvrage pour présenter cette création. Les retours sont positifs, mais je n’ai malheureusement pas eu le temps de démarcher suffisamment pour développer le projet. J’ai reçu des propositions, mais rien de bien sérieux. J’en profite pour lancer un appel (qui sait ?) : je suis à la recherche d’un(e) couturier(e) intéressé(e) par le projet !
J’ai également l’idée d’une collection entière de prêt à porter. Mais à l’allure où j’avance, ce sera pour 2050…

En plus de tout ça, tu animes des workshops et tu enseignes la créativité dans une école supérieure de graphisme en 2009. Veux-tu nous expliquer ça ? La créativité, ça s’enseigne ?
Le cours s’intitulait effectivement le cours de “créativité”, mais je n’ai pas eu la prétention d’apprendre aux étudiants à créer. Cela aurait d’ailleurs été impossible. Disons que ce cours consistait à regarder le graphisme d’un autre oeil. Je posais des problématiques obligeant les étudiants à reconsidérer leurs acquis, leurs fondamentaux. En 6 mois d’atelier ils se sont donc retrouvés à se poser des questions sur le rôle du designer graphique dans la société, à communiquer par le vide, à prendre en photo leur création dans son contexte d’affichage pour témoigner de son impact, à inventer de nouveaux supports de marketing alternatif, etc. Je les ai également poussé à créer des passerelles entre les domaines, en s’inspirant de la musique, de la mode, en jouant avec les codes propres à chaque disciplines. C’était vraiment intéressant. Mais j’ai dû arrêter, faute de temps.

Cette année, je vais plutôt essayer d’animer quelques workshops dans les écoles supérieures de graphisme.

As-tu d’autres projets à venir ?
Oui, mais rien d’encore très précis pour l’instant. Et puis il faut d’abord que je m’occupe des projets en cours. Je ne souhaite pas me disperser.

Une dernière question, quels sont tes héros et pourquoi ?
Ceux qui ont lu cette interview jusqu’au bout !
Parce que ce sont des gens bien !

Éric, merci beaucoup d’avoir bien voulu répondre à nos questions. Je te laisse le mot de la fin !Mes projets personnels s’articulent toujours autour d’une pensée, d’une phrase.
SHUT UP AND SHOUT! est mon expression du moment.

Et merci à Artskills !

_____

Éric Collet : www.ericcollet.com

Voici ci dessous l’interview de Sophie Griotto qui a été publiée dans le magazine Advanced Creation numéro 16.

C’est avec grand plaisir que ce nouveau numéro de Advanced creation vous présente une artiste française passionnée de dessins et d’illustrations qui ne sort jamais sans sa tablette Wacom. La féminité tient une place essentielle dans le travail de cette créatrice. A l’affût des moindres silhouettes ou attitudes qui nous caractérisent, elle retranscrit ce qu’elle voit partout avec talent et toujours signé d’un coup de patte immédiatement identifiable.

THOMAS GAYET > Parle nous un peu de toi et de ton parcours, universitaire ou autodidacte ?
Sophie Griotto > Je suis illustratrice et roughman publicitaire. J’ai 33 ans je suis née à Alès dans le gard. C’est d’abord en suivant les ateliers d’arts plastiques dès l’âge de 5 ans que j’ai développé le travail de la matière et de la couleur.
Après un bac « arts plastiques », je poursuis mes études dans les arts appliqués à Nîmes puis Toulouse où j’obtiens mon BTS de communication visuelle.
C’est par la suite que je me suis informatisée. J’utilise les logiciels de manière autodidacte, j’avoue que c’est un peu du « bidouillage».

TG > Pour quelles raisons as tu décidé de te lancer dans la création et à quel moment ?
SG > J’ai eu la chance d’avoir toujours su ce que je voulais faire, mais je n’étais pas spécialement inspirée par le luxe et la pub. En revanche «la femme» s’est imposée très vite comme sujet favoris.
Stagiaire chez Publicis Conseil à Paris, c’est dans ce cadre que je m’exerce au rough et au story-board. Il m’a fallu travailler la rapidité et l’efficacité du trait et pour ne rien vous cacher ; la gestion du stress !
Et puis dans cette agence j’ai pu contempler la « publicitaire parisienne » encore plus inspirante que la parisienne !!! Tailleur couture, roulant en « Coccinelle New Beattle » couleur vert-pomme. Le déclic s’est fait à ce moment là. Mon regard de non-parisienne m’a permis d’observer avec recul ce monde là.

TG > Si tu n’avais pas travaillé dans le milieu de la création, qu’est ce que tu aurais aimé faire ?
SG > Je me serais certainement dirigé vers une autre voie artistique, le théâtre ou la musique. J’aurais pu aussi me diriger vers l’impression textile car la création de tissus m’inspire beaucoup. Je suis née dans une famille d’artistes, je ne pense pas que j’aurais envisagé un métier sans création.

TG > Tu bosses dans une agence ? En free ? Dans un collectif ? Pourquoi ?
SG > Je travaille en free-lance, dans mon atelier. J’ai un agent artistique ; Caroline Maréchal, qui fait le lien depuis mon départ. Car après 10 ans de vie parisienne, je me suis installée dans le sud de la France.

TG > Quels sont tes projets pour les mois qui arrivent ?
SG > Actuellement, je suis en congé maternité. Je profite au maximum de mon bébé et de mon plus grand, mais aussi, je l’avoue, d’un certain recul que cette pause me permet d’avoir et qui, j’espère, va me permettre de me renouveler.
Pour ma rentrée il y aura peut-être une suite pour la campagne Swatch. Les toiles digigraphiques de mes illustrations sont exposées à partir de ce mois-ci au BHV après un passage aux Galeries Lafayettes.
J’ai aussi l’opportunité d’illustrer des livres pour enfants, c’est tout nouveau pour moi mais cela faisait longtemps que j’y pensais.

TG > Quel regard portes tu sur ton travail et sur la création au sens large ?
SG > C’est difficile de parler de son travail, je n’ai pas de recul. Je ne suis pas une artiste engagée, je dessine souvent des instants de vie plutôt heureux. Je pense que l’artiste doit savoir se renouveler rapidement tout en gardant son écriture. Le web est aujourd’hui si riche en image que le regard de l’internaute est de plus en plus initié et critique sur le design, la décoration, le stylisme, l’art. Aujourd’hui, n’importe quelle personne peut découvrir un artiste Australien ou Japonais. Les artistes ont une vision globale de ce qu’il se fait de mieux dans le monde et bénéficient d’un retour direct sur leur propre travail grâce aux forums et aux blogs.

TG > A quoi ressemble une journée de «SOPHIE» ?
SG > J’ai mon atelier chez moi, dans le sud de la France, et je remonte sur Paris régulièrement pour des briefs. Je démarre la journée comme beaucoup de personnes en répondant à mes mails devant un café. Avant de commencer une création je prépare un board de tendances, j’y punaise tous les échantillons de tissus, photos d’ambiance, couleurs découpées dans les journaux, des croquis d’intentions. Bref toutes choses qui puissent m’inspirer. Je surfe pour trouver les tendances du moment, j’écoute beaucoup la radio et la musique. Je reçois des briefs par téléphone ou par webcam. Je crayonne, et crée mes tissus à l’encre sur papier. Je scanne et je reprends le tout sur tablette graphique.

TG > Quels artistes t’inspirent le plus ? ou à défaut ou puisses tu ton inspiration pour réaliser de nouvelle créations ?
SG > Beaucoup d’illustrateurs, comme Izak, Tadahiro Uesugi, Yoshitomo Nara, mais aussi Matisse, Miro et les peintres Nabis.et puis Gruau mais il y en a d’autres. Dans la vie de tous les jours ; j’observe, je relève souvent l’attitude ou la démarche d’une personne, mais aussi son expression de visage…le sourcil relevé, le placement des épaules, le poigné cassé sont autant de détails qui accentuent une personnalité…
Les photos, les magazines, la mode, la déco, le web, sont, non seulement, de la documentation mais aussi une réelle source d’inspiration.

TG > “La vie sans création”, cela voudrait dire quoi pour toi ?
SG > Je n’ai jamais imaginé la vie sans création. Mais cela signifierait être libérée d’une certaine anxiété. Et si je ne recherchais pas perpétuellement le « nouveau » j’aurais certainement plus de temps pour les miens.

TG > Quels “conseils” donnerais tu à des artistes qui démarrent ou qui voudrait suivre cette voie ?
SG > De réaliser en projet personnel sa commande idéale, qui donnera le ton pour la suite des évènements. De prospecter avec de belles impressions papier (cela parait anodin mais c’est devenu tellement rare que les futurs clients apprécient). Savoir s’adapter à la demande du client tout en restant en accord avec soi-même et proposer toujours une version plus personnelle et plus risquée au client. Enfin, préparer une planche de tendances avant chaque projet permet d’éclaircir les idées.

TG > As tu une anecdote à nous racontez sur un de tes travaux ?
SG > J’ai débuté mon métier en dessinant avec des outils traditionnels (crayons et encres) directement, en « live », dans les agences de pub. Il m’est arrivé de passer une partie de la nuit dans une agence, le directeur artistique, terriblement pointilleux, me demandais de recommencer mes images de story-board (pour un shampoing qui le valait bien) pour des détails d’une mèche de cheveux a déplacer de 2 mm à gauche. Le lendemain j’y retournais, pour redessiner entièrement le board. Cette fois-ci le client avait tardivement décidé que la fille devait être blonde. La réunion n’avait pas été décalé. Le D.A scannait les images au fur et à mesure après les avoir au préalablement séché au sèche cheveux. Aujourd’hui, évidemment je gagne beaucoup de temps avec Photoshop, Painter, ma palette graphique et bien sûr avec internet. Le métier a changé et mes nuits aussi.pour moi, cela a été très formateur. Il m’arrive encore de travailler « sur place », en agence, mais je ne me déplace plus sans ma Wacom.

TG > Pour parler un peu d’actualité, quel est ton avis sur la crise économique ?
SG > Je reste confiante, je pense que l’illustrateur possède un atout. Payer un photographe, un mannequin, une styliste, un maquilleur et louer un studio, est fortement onéreux pour une publicité. La force de l’illustrateur, ou du graphiste, est justement de regrouper tous ces métiers en un seul pour créer une image.
Aujourd’hui, les supports ont changé. On dispose, désormais, de vrais commandes d’illustrations pour des sites internet. Les clients contactent de moins en moins les agences de communications et s’adressent directement à l’agent ou à l’illustrateur.

TG > Un dernier mot que tu voudrais partager ?
SG > J’ai l’impression dans cette interview d’avoir fait l’apologie d’internet mais c’est vrai qu’il y a eu un avant et un après, depuis 5 ans je dirais. Je ne lâche pas pour autant mon crayon, ma peinture et mes encres. Je garderai toujours un lien particulier et irremplaçable avec ces outils. Cela me permet aujourd’hui de me ressourcer et de me renouveler

j’avais oublié de poster l’interview de Geneviève Gauckler (réalisé par la team Wisibility pour Wisi Tv)

Une interview (en vidéo s’il vous plaît) intéressante à ne pas rater de l’ami Julien Morel aka Joolz (qui est aussi rédacteur sur ce blog) réalisé par la team Wisibility pour Wisi TV.

Interview de l’artiste français Jools (Julien Morel) from Wisi TV on Vimeo.

Voici ci dessous l’interview de “ELROY” aka Damien Vignaux publiée il y a quelques temps dans le magazine Advanced Creation.

“Elr°y” est un de ces créateurs Français qui aime varier les styles et les supports. A l’aise dans des univers opposés, passant d’un style “kawaï” à un univers “dark et torturé” en effectuant juste une pirouette sur son arsenal de connaissances théoriques et sur son talent inné. Multi-facettes, exigeant et humble, un personnage attachant que vous allez découvrir dans l’interview de ce nouveau numéro de Advanced Creation.

THOMAS GAYET > Parle nous un peu de toi et de ton parcours, universitaire ou autodidacte ?
DV > Je m’appelle Damien aka elr°y, originaire du sud de la France je viens de m’installer à Berlin. J’ai un parcours universitaire assez long qui m’a donné des armes plus théoriques et méthodologiques que vraiment pratiques (une prépa Normale Sup’ design industriel, une maitrise Arts Appliqués et un DEA plus orienté audio-visuel). Tous les logiciels avec lesquels je bosse aujourd’hui je les ai appris seul. Je pense que se confronter à des problèmes techniques quand tu essaie d’atteindre le résultat dont tu rêves est le meilleur moyen d’apprendre : un besoin, une solution !

TG > Pour quelles raisons as tu décidé de te lancer dans la création et à quel moment ?
DV > J’ai toujours dessiné, sculpté, peint, créé etc… donc il n’y a pas eu de moment où j’ai «décidé» de m’y lancer. Par contre il y a eu un moment charnière important ou, les opportunités se multipliant, je me suis dit que je pourrais raisonnablement en faire un métier, une carrière. J’étais en milieu d’études et j’avais de plus en plus de contacts pour du web, du logo, ça commençait a buzzer et je me suis fait mon carnet d’adresse tranquilement de telle sorte qu’une fois fini mon DEA, je me suis naturellement déclaré à la maison des artistes pour facturer proprement et j’étais lancé sans même avoir à passer par les cases stages ou agences.

TG > Lorsque tu commences une nouvelle création, quelle est l’approche que tu privilégies ?
DV > Ça dépend du support, et aussi de mes influences ou envies du moment. Je peux avoir un regard neutre ou extrêmement orienté. Par exemple des fois je sais d’avance que j’ai très envie de produire dans tel ou tel style ou en expérimentant telle ou telle technique donc je vais tout faire pour justifier mes propositions dans le sens qui m’intéresse. je suis un grand consommateur d’images et d’influences. Mais la plupart du temps je me pose avec mon carnet de croquis et je commence a gribouiller en réfléchissant a des thèmes, des formes, des micro-narrations, des accroches, des valeurs, des mots-clés… jusqu’à ce que se forme dans ma tête l’image d’un projet sur lequel je sais que je prendrai du plaisir.

TG > Tu bosses dans une agence ? En free ? Dans un collectif ? Pourquoi ?
DV > Je suis freelance et en ce moment, je bosse seul sauf si les projets sont trop gros pour moi. J’ai travaillé un temps avec Neopen, avec qui on avait le studio Incog. sur Toulouse. Depuis peu on suit des ambitions différentes, lui à Londres et moi à Berlin, ce qui est plutôt riche et cool. Je ne doute pas qu’on aura l’occasion de retravailler ensemble sur des gros projets ; on a des approches très complémentaires et des savoir-faire intéressant à combiner. Mes projets les plus cools et les plus aboutis je les ai fait avec lui. A côté de ça je vais aussi de la vidéo et des D/VJ sets dans le collectif Bisou GTi avec mes amis toulousains DLid et Humanleft.plusieurs, et surtout on travaille en passant du bon temps, que demander de plus

TG > Quels sont tes projets pour les mois qui arrivent ?
DV > J’essaie de rentrer plus de projets vidéo. J’ai un gros travail événementiel dont je ne peux pas trop parler, mais dans la veine de celui que j’avais déjà fait à Bregenz en Autriche en Septembre dernier : des animations et du live vidéo sur un set-up de 36 écrans avec des résolutions différentes, un truc assez dément. Là je bosse sur de la projection monumentale et du mapping à une échelle incroyable, plus de 100 mètres de projection. Il faudra passer sur mon site cet été pour voir le projet fini ! J’écris aussi un projet de documentaire sur la culture électronique autours de la ville de Berlin pour pouvoir faire de la vraie réal et revenir vers le clip vidéo avec de nouvelles armes, et toujours avec ça je fais des DA de festivals, pas mal de pochettes de disques, du logo… Je continue les DJ sets à travers l’europe pour m’aérer le week-end et je prépare deux concepts d’expo : un solo show en Belgique à la rentrée, et une release de toy tiré de mon univers d’illustration, magnifiquement sculpté par mon ami Yomek! de l’étonnant collectif Jean Spezial. Ces types font tous un travail hallucinant de densité et de qualité.

TG > Quel regard portes tu sur ton travail et sur la création au sens large ?
DV > Moi je me vois plus comme un graphiste qu’un artiste, je veux dire par là que j’aurai jamais la prétention de ré-inventer le design. Je suis un artisan, j’espère que ce que je produit est en accord avec l’époque, ma culture, mes influences… je me laisse porter de projets en projets et j’aime bien prendre des risques en changeant de support, d’esthétique, de moyens ou de types de clients. La création actuelle est riche et super stimulante, j’essaie de men nourrir et de prendre position par rapport à ce que je vois, je pense avoir l’éducation et la culture pour trier ce qui marche et ce qui marche moins et à partir de là je fais ma cuisine !

TG > A quoi ressemble une journée de «ELR°Y» ?
DV > Une journée d’elr°y ne ressemble à aucune autre journée d’elr°y et c’est ça qui est bien ! J’aime beaucoup travailler la nuit parce que je suis seul avec mes projets et j’adore bosser jusqu’à épuisement, jusqu’à ce que je me sente vraiment sec et là je vais me coucher défoncé mais content. La journée j’ai toujours mille rendez-vous, coups de fils, mails, des propositions… donc je bosse mais forcément moins efficacement. Quand tu es freelance tu n’es pas que créateur, tu es aussi ton agent, ton comptable… donc la journée entre les créas qui avancent je fais tout ça aussi, du mailing, des budgets, des devis… par contre le soir quand je bosse je bosse !

TG > Quels artistes t’inspirent le plus ? ou à défaut ou puisses tu ton inspiration pour réaliser de nouvelle créations ?
DV > Je regarde tout, tout le temps, partout, mais il y a quand même des artistes et des studios que je suis toujours de très près. Je vais te faire un top 3 artistes et un top 3 studio, plus ou moins imbriqués, parceque si je commence à énumérer la liste va être bien trop longue :
TOP 3 Artistes : Alex Trochut, Mario Hugo, Théo Gennitsakis
TOP 3 Studios : Hort, Non-Format, Serial cut

TG > «La vie sans création», cela voudrait dire quoi pour toi ?
DV > Juste impossible !

TG > Quels “conseils” donnerais tu à des artistes qui démarrent ou qui voudrait suivre cette voie ?
DV > On bosse dans un métier qui a deux facettes : la création et le relationnel. C’est important de n’en négliger aucune. T’as beau être le meilleur créa du monde, si personne ne voit ton travail tu finiras en artiste maudit. On a la chance d’avoir des outils de communication comme MySpace ou Facebook ultra simples à mettre en place et qui touchent un max de monde. Faut s’en servir, apprendre à communiquer et s’exposer, gagner en visibilité. Pour ce qui est des clients, je pense que la démarche la plus saine et la plus pérenne c’est le bouche à oreille : un client satisfait c’est trois plans qui tombent derrière. J’ai des clients que je garde d’années en année, comme les festival Panoramas par exemple et avec qui j’adore travailler. C’est aussi super intéressant de renouveler le même concept tous les ans et de voir les directions nouvelles que tu peux proposer !

TG > As tu une anecdote à nous racontez sur un de tes travaux ?
DV > Pour rebondir sur le principe de communication dont je parlais avant, j’ai peut-être une histoire personnelle qui illustre bien l’utilité de communiquer efficacement sur la manière dont on veut travailler. Quand j’ai ouvert mon myspace en 2006, le projet sur lequel je me concentrais était le groupe d’électronica/idm pour lequel je faisais un live vidéo : maéko. J’adore ce projet ambiant, très dense et narratif. A cette époque là, tout le monde croyais que j’étais quelqu’un de sombre et torturé parceque je ne montrais que ce genre d’images. Par la suite, j’ai choisi de plus mettre en avant mon travail d’illustration et mes personnages pour basculer un an plus tard vers la représentation inverse : on me pensait super kawai, street et frais ! Je pense qu’avec plus de maturité j’arrive maintenant à montrer que justement, ce qui est intéressant dans mon travail c’est l’étendue du spectre qu’on trouve entre ces deux extrêmes, et demain je peux tout aussi bien me lancer sur un bouquin pour enfants et dessiner des gamins habillés en fraise, que réaliser un clip flippant à la Martin de Turah pour un sombre groupe electro pop d’autistes finlandais…

Voici ci dessous l’interview de Darkimey publié dans le numéro 13 du magazine Advanced Creation (Vous pouvez retrouver certaines de ses créations pour des posters mais aussi des customs de Skate , le tout sur Amkashop)

“Darkimey” aka Séréna Panelli est une artiste française touche à tout et “multi-cordes”. Peinture, dessin, collage, sculpture, création numérique, photographie, elle est passionnée d’art au sens large et son style mixe ses différents acquis. Cela confére à ses travaux une émotion et une identité particulière, un univers propre immédiatement identifiable. Découvrez vite cette créatrice ennivrante.

THOMAS GAYET > Décris nous un peu ton parcours, universitaire ou autodidacte ?
Séréna Panelli >Je dessine depuis toute petite.j’ai fait par voie de conséquence un bac arts-appliqués, un bts e.v.e.c, une formation de graphiste webdesigner.Comme c’est très difficile de trouver du travail dans les metiers de la communication et que j’avais envie de toucher un peu a tout, j’ai travaillée dans le théatre comme plasticienne pour «le phun» et comme illustratrice pour differents projets.Aujourd’hui je suis toujours a la recherche d’un emploi en tant que graphiste ou plasticienne et je continue de préparer mes expositions à côté.

TG > Pour quelles raisons as tu décidé de te lancer dans la création et à quel moment ?
SP > A la suite de mes etudes, j’ai essayé de trouver mon style graphique, mon identité visuelle, et de me présenter dans des galeries.je n’avais pas envie de travailler derriere un bureau, et de me sentir contrainte a faire de la publicité, à utiliser des codes visuels qui existent déjà pour mieux vendre.les perspectives de liberté crèatives dans des boites de communication sont très mince, à moins d’attendre de devenir le directeur artistique ou de monter sa propre boite.

TG > Lorsque tu commences une nouvelle création, quelle est l’approche que tu privilégies ?
SP > La spontanéité et l’intuition. Lorsque je fait mes symetries mon travail consite à utiliser des motifs végétaux et a les organiser entre eux de manière équilibrée.je prepare mes moitié de dessin et je suis surprise du resultat que ça donne lorsque c’est deployé en symétrie.il ya un coté ludique pour moi et de curiosité pour le lecteur, c’est inspiré du test de rorsha, ou chacun y voit quelque chose, un animal, un insecte….etc, c’est interactif.

TG > Tu bosses dans une agence ? En free ? Dans un collectif ? Pourquoi ?
SP > je bosse  seule et chez moi, c’est encore le debut..Tout ce que je sais c’est que je ne veux pas etre cantonnée a faire une seule chose.j’aime passer du dessin ,à la peinture ,à l’odinateur, à la sculpture, à la photo puis bricoler des machines.Par exemple en ce moment je prépare une sculpture sonore inspirée des figures de chladni qui donnent une jolie clé de lecture pour mes dessins.A mon avis tout les arts sont reliés, et il faut toucher a tout les supports possibles pour faire des choses interressantes.

TG > Quels sont tes projets pour les mois qui arrivent ?
SP > Continuer mes expositions, mes experiences sonores et visuelles, apprendre a tatouer, et essayer de créer des bijoux en argent…et puis essayer de vivre de tout ça !

TG > Si tu n’avais pas travaillé dans le milieu de la création, qu’est ce que tu aurais fait ?
SP > Je dessine depuis que j’ai l’age de tenir un crayon, alors c’est difficile a dire, mais à choisir j’aurais faire quelque chose de social ou en rapport avec la nature.

TG > Quel regard portes tu sur ton travail et sur la création au sens large ?
SP > On est accablé d’informations visuelles tout les jours, la publicité dans la rue, la presse, la télévision ,souvent futile.Et il y a tant de gens qui font de belles choses artistiques, alors c’est interessant de créer pour délivrer un message,que ce soit beau, et puis d’arriver a proposer quelque chose d’un peu nouveau, en restant humble.La création c’est aussi travailler en équipe pour faire des grands projets.je reste facinée par le royal de luxe et ses marionettes monumentales, c’est un travail humain ou les aptitudes de chacun sont utilisées avec respect et  dans un but commun, et puis c’est vraiment de la  poésie a l’état pur.

TG > A quoi ressemble une journée de «DARKIMEY» ?
SP > Je gamberge toute la journée et toute la nuit a mes projets.en general je dessine la nuit et je ne dors pas tant que je n’ai pas finit .je fais tout d’une traite, parce que je suis impatiente et que je suis deja en train de penser a ce que je vais faire apres avoir finit ce que je commence.Le temps passe beaucoup trop vite, c’est flippant!

TG > Quels artistes t’inspirent le plus ? ou à défaut ou puisses tu ton inspiration pour réaliser de nouvelle créations ?
SP > Hundertwasser parce que c’est avant tout un vrai philosophe, quelqu’un d’amoureux de la nature ,de son impermanence et des hommes.Gaudi, klimt, soulage ,tout les gens qui ont fait des motifs foisonnants ou qui ont compris les vibrations de la couleur et du trait, et ceux qui ont travaillé sur le chamanisme,joseph beuys…etc

TG > «La vie sans création», cela voudrait dire quoi pour toi ?
SP > Ca ne peux pas exister, meme les animaux crée, je pense aux oiseaux paradisier qui construise des sculptures halucinantes de couleurs et de formes pour flatter l’oeil de leur prétendantes.Donc a défaut la création c’est la vie.

TG > Quels “conseils” donnerais tu à des artistes qui démarrent ou qui voudrait suivre cette voie ?
SP > De s’accrocher et de rester intègre.

TG > As tu une anecdote à nous racontez sur un de tes travaux ?
SP > J’ai fabriqué une sculpture en papier maché avec un kaleidoscope integré, seuls les enfants sont venus le consulter lors de la premiere exposition. Ils ont compris desuite ce que c’etait, et non pas eut peur de manipuler le prisme.les adultes ne regardent pas vraiment les details et sont habitué au panneau «ne pas toucher». Alors il faut leur mettre des panneaux partout et bien lisible pour leur donner ce droit.

TG > Pour parler un peu d’actualité, quel est ton avis sur la crise économique ?
SP > il ya toujours la crise! La pauvreté est partout encore et toujours.la futilité de l’argent, l’importance qu’on peut apporter a ce bout de papier est affligente.et en tant qu’artiste c’est d’autant plus difficile de mettre un prix sur ces oeuvres.c’est le moment redouté, alors souvent on fait en fonction des autres artistes, du prix que nous a couté le materiel, le temps qu’on y a mis.faut bien vivre, mais c’est vraiment quelque chose que je n’aime pas faire et qui me depasse.

TG > Un dernier mot que tu voudrais partager ?
SP > Il faut s’amuser.

Voici ci dessous l’interview de GRAPHIC-TRAVELLING publié dans le numéro 11 du magazine Advanced Creation. (cliquez ici pour accéder aux créations disponibles sur amkashop)

“Travelling” aka François Leroy est un jeune créateur Français talentueux de 19 ans. Son style et sa technique ont évolués très rapidement depuis les 12 derniers mois pour aboutir aux résultats ci-dessous. Des créations à base de “mixed media”, mélangeant les éléments photographiques, vectorisés et crées directement dans photoshop pour donner naissance à univers riche et foisonnant.

THOMAS GAYET > Parle nous un peu de toi et de ton parcours, universitaire ou autodidacte ?
François Leroy > Je gribouilais des personnages et autres depuis tout petit sans m’être pourtant intérréssé à l’art en régle générale. Je voulais devenir déssinateur (mais de quoi ? je ne sais toujours pas). J’ai été orienté vers un BT Dessinateur maquettiste en fin de troisième ce qui m’a appris les règles fondamentales du graphisme et m’offrir un intêret particulier pour l’art, en milieu de cycle j’ai commencé mon initiation aux logiciels comme photoshop ou illustrator de manière autodidacte.

TG > Pour quelles raisons as tu décidé de te lancer dans la création et à quel moment ?
FL > Je me suis intérréssé à la création purement numérique il y a deux ans et demi environ au lycée (BT déssinnateur maquettiste), par la découverte de plusieurs artiste qui ont décidement dirtigés ma créativité vers le numérique. C’est à ce moment que j’ai eu le déclin, l’initiative de devenir «graphic designer». J’ai commencé à travailler sur mes créations il y a deux ans et c’est devenu une passion.

TG > Lorsque tu commences une nouvelle création, quelle est l’approche que tu privilégies ?
FL > Avant même de commencer quoique ce soit je privilégie soit le rendu coloré, soit la composition, soit le côté graphique. Un penchant vers l’un ou l’autre depend de mes gouts et de mon humeur . Il y a certains choses que je veux mettre en avant ou non selon la création.

TG > Tu bosses dans une agence ? En free ? Dans un collectif ? Pourquoi ?
FL > Alors je bosse dans une agence, en free et dans un collectif. L’emploi dans l’agence m’a été amené par un ami qui au départ m’employait en freelance pour plusieurs travaux dont il était satisfait, j’y travaille à mi-temps. Cela me permet de me consacrer à ma partie freelance auquel je tiens pour garder la diversité créative.
Pour le collectif, j’aime tout simplement faire partie d’un groupe de créateur venant de tous le globe et unis par la même passion. Cela aide en grosse partie a progresser.

TG > Quels sont tes projets pour les mois qui arrivent ?
FL > Mes futurs projets sont simplement de créer et toujours progresser. Dans les mois à venir je m’étendrai vers d’autres horizons comme la conception design d’intérieur que je suis en train de concrétiser.
Je pense aussi remagner et offrir une grosse mis à jour à mon siteweb d’ici peu mais ce n’est pas un projet en temps que tel.

TG > Si tu n’avais pas travaillé dans le milieu de la création, qu’est ce que tu aurais fait ?
FL > Trés trés dur à dire, depuis que je suis en maternel, je me suis mis à déssinner régulièrement, on m’a «formaté» à toujours faire quelque chose dans le mileu de la création et rien d’autre ne m’a jamais intérréssé. Quand j’avais quatre ans je voulais être pape pour l’anecdote alors que j’ai toujours été athé. Je me serais peut-être lancé dans le journalisme.

TG > Quel regard portes tu sur ton travail et sur la création au sens large ?
FL > Au sens large je n’aime pas ce que je fais et c’est pour moi une qualité qui aide constamment a progressé, lorsque je fini une création et que je suis fier pour les heures que j’ai passés dessus, je déchante trés vite quand je vois le travail de mes idoles créatives.

TG > A quoi ressemble une journée de «GRAPHICTRAVELLING» ?
FL > C’est mouvementé… Alors je me lève assez tot, je m’installe devant mon ordinateur avec un café et mon paquet de cigarette, je met sur clé quelques fichiers qui me serviront pour le travail auquel je fonce dans l’heure qui suit. Ensuite j’ai un peu moins que l’apres-midi de libre pour me lancer dans mes projets et enchainer les rendez-vous avec les personnes concernés, je vois ma douce en soirée et je me couche généralement assez tard pour me consacrer à mes loisirs et mes créations personnels.

TG > Quels artistes t’inspirent le plus ? ou à défaut ou puisses tu ton inspiration pour réaliser de nouvelle créations ?
FL > Les artistes qui m’inspirent le plus sont Peter Jaworowski, Mike et Pete harrison, Pawel Norbert et Craig Shield. Après je puise mon inspiration dans ce que j’aime en général, ça peut être un artiste ou autre.

TG > «La vie sans création», cela voudrait dire quoi pour toi ?
FL > Dans un sens se serait une vie où je m’en préoccuperait pas et où j’aurais d’autres chats à fouetter puique je ne connaitrais pas cela. Dans un autre sens ce serait sans expressions, sans vibrations, assez platonique à vrai dire

TG > Quels “conseils” donnerais tu à des artistes qui démarrent ou qui voudrait suivre cette voie ?
FL > Ne pas avoir peur des nuits blanches et de la déception, comme dans toutes choses il faut du travail, de la persévérence et le matéteriel pour ce donner les moyens, apres tous suit je pense. C’est rebarbatif mais c’est comme ça selon moi.

TG > As tu une anecdote à nous racontez sur un de tes travaux ?
FL > Une fois il y a longtemps, j’ai eu un crash de disque dur pendant que j’étais en train de finaliser une création qui pour moi était une révolution sur ce que je faisais jusqu’a ce jour, j’ai mené une «affaire d’état» pour recupérer le fichier, j’ai fini par le récuperer et il n’allait plus du tout, je l’ai recommencer selon d’autres approches, il n’avait presque plus rien à voir au final. Comme quoi le recul forcé d’un désagrément comme le crash de disque dur aide bien ! (parfois seulemment).

TG > Pour parler un peu de l’actualité, que penses tu de l’élection de Barack Obama ?
J’ai discuté de ça il y a pas longtemps avec un ami américain qui a donc voté Barack Obama sur l’idée qu’il représentait le changement mais qu’il ne le prenait pas pour autant pour un superman comme on pourrait le croire par son énorme médiatisation. Je suis un peu de son avis.

TG > Un dernier mot que tu voudrais partager ?
FL > Merci pour ce moment et bon courage..